Contenus

• L'enfant au musée, une approche de scénographe?
  Dans mes expériences professionnelles en tant que scénographe, j’ai remarqué le lien insuffisant entre les scénographes et les médiateurs dans les musées. Pour moi, le besoin de partager avec tous les publics possibles est au cœur de notre métier. C’est pourquoi j’ai décidé de commencer mes recherches en m’interrogeant, en tant que scénographe, sur mon impact sur les enfants à long terme. Ce mémoire découle de mes dix années d’expérience avec les enfants, que je considère comme l’avenir, car ils deviendront les adultes de demain. Mes recherches se concentrent sur la pédagogie, et sur les capacités des musées à transmettre les savoirs à leur publics, spécifiquement les enfants, et particulièrement de mon point de vue de scénographe. Les enfants ont-ils une place au musée? Par quelles approches? Quelles en sont les limites? Quels sont les enjeux pour les musées d’accueillir ou non ces jeunes publics ? Les musées sont des espaces uniques avec des règles spécifiques, servant non seulement de gardiens du passé de l’humanité mais aussi d’expérimentation sociétale pour envisager l’avenir. Mon approche a consisté à commencer par une expérience de terrain mêlant visites et entretiens inspirants, et une première approche de typologie des dispositifs muséaux. Ainsi, mon mémoire est entièrement nourri par ma pratique personnelle, ma position professionnelle et m’a aidé à mieux comprendre mon propre environnement. Dans cette recherche j’ai essayé de déterminer en quoi les enfants deviennent une source d’inspiration essentielle pour la créativité des concepteurs de musées, et comment ils peuvent en devenir des modèles de conception muséale. Selon moi, faire l’effort de comprendre les capacités cognitives et mémorielles des enfants est significatif lorsque le scénographe veut être innovant pour l’avenir, car il a entre les mains des adultes en devenir. Ainsi comprendre comment ils fonctionnent, permet au scénographe de concevoir des outils et de proposer des solutions plus adaptées et novatrices. Cette recherche m’a fait prendre conscience de l’impact significatif que les scénographes peuvent avoir sur toutes les générations en partageant efficacement les savoirs et la mémoire des musées, grâce à la médiation et à la vulgarisation à destination des publics. Cette approche enrichit non seulement l’expérience muséale pour les jeunes visiteurs, mais les accompagne à devenir des adultes éclairés et réfléchis.
• La question des matériaux écofictionnels comme moteur narratif et structurel pour le design d'espace
  La nature et la fiction ont toujours été des intérêts importants et des sujets de recherche passionnants à mes yeux. Les échanges qui s’opèrent entre eux sur les aspects créatifs, sensibles et techniques sont récurrents, c’est la raison de ce travail sur l’étude des points de contacts entre les deux. La problématique étudiée dans ce mémoire est l’utilisation et l’apport de matériaux éco fictionnels comme moteur narratif et structurel pour le design d’espace. Après avoir étudié la place thématique et matérielle de la nature dans l’espace fictionnel, j’ai présenté des arguments pour expliquer en quoi ces matériaux peuvent être bénéfiques et utilisés dans le design d’espace fonctionnel. Ceux-ci sont articulés selon trois grandes approches : la technicité et la conception, la perception et la sensorialité de la nature, et enfin l’aspect psychologique. L’importance et la pertinence de l’étude de ce sujet réside dans son usage à la fois aux conteurs et conteuses, ainsi qu’aux architectes afin de leur permettre de travailler ensemble. La nature approchée par l’angle spécifique fictionnel peut à son tour être transposée à nos propres espaces et nous aider à les repenser, notamment dans une époque marquée par la crise climatique. Des écoles, des étudiantes et étudiants se penchent aussi sur la question telle que l’Umeå School of Architecture de l’université d’ Umeå en Suède, dans une étude intitulée Using Stop Motion Animation to Sketch in Architecture: A practical approach écrite par Ru Zarin, Kent Lindbergh and Prof Daniel Fallman. Les découvertes sur les apports de cette connexion ne sont pas seulement de l’ordre du matériel avec la question de l’éco-conception, mais elles enrichissent aussi notre vision du monde, nos processus créatifs et notre conception de l’espace et de la ville. Par cette recherche, je cherche à pousser le lecteur à s’interroger sur le lien unique qui unit le récit, la nature et l’espace.
• Le module naturel
  Les Hommes domestiquent la nature en y implantant de la modularité, reflet de leur corps, les émancipant ainsi de leur nature, démontrant d’une relation conflictuelle entre nature et culture. En effet, on a aujourd’hui une opposition entre milieu naturel et milieu urbain qui fait partie intégrante de notre paysage culturel. L’adaptabilité au milieu naturel demande alors une réflexion sur le rapport de notre corps avec la nature, donc interroge de fait l’artificialité de la forme des modules multifonctions. Or ils sont des vecteurs importants de sensorialités, qui traduisent diverses perceptions propres à chaque individu. Toutefois il préexiste une porosité entre notre nature intérieure et la nature extérieure, le module nécessitant une interaction avec le corps des Hommes pour pouvoir fonctionner.
• La matière de l'imaginaire, le papier
  Depuis quelques années, je m’intéresse à la sensorialité d’un espace. Comment nous réagissons à un espace et comment il peut influencer notre perception. Ici, mon intention est de montrer comment un espace peut s’inspirer d’un matériau, la feuille de papier, et par conséquent modifier notre expérience de l’espace. Pour aller plus loin, j’ai commencé à travailler sur l’aspect du papier et les actions qui l’accompagnent. Pour ma recherche, j’ai donc cherché à créer des liens sensibles entre la feuille de papier et sa transposition dans l’espace. Comment le papier peut-il créer un espace ? Comment le pliage comme l’origami peut créer une installation ou un espace ? C’est un peu comme l’écriture dans l’espace. Ici, l’écriture est le pliage. Ainsi, l’important est de se concentrer sur les dimensions narratives de l’espace et sur tous les moyens disponibles pour intégrer l’aspect de la feuille de papier dans un espace et permettre ainsi une nouvelle perception de l’espace.
• Rôle des compétences phonologiques et de l'Empan Visuo- Attentionnel sur l'identification de mots en cas de surdité : comparaison d'enfants sourds hétérogènes à un groupe témoin entendant
  De nombreuses études internationales révèlent que l’apprentissage de la lecture présente des défis spécifiques pour les enfants sourds : en France, plus de 40 % d’entre eux rencontrent des difficultés. La maîtrise de la lecture constitue un enjeu crucial pour leur socialisation et leur autonomie. Chez les enfants entendants, deux prérequis de la lecture importants émergent de la littérature scientifique : la conscience phonologique (CP), c'est-à-dire la capacité à manipuler les unités phonologiques de la langue, et l'Empan Visuo-Attentionnel (EVA), qui correspond au nombre de caractères perçus simultanément en une fixation oculaire. Inspiré par les modèles de lecture à double voie, le développement de la lecture chez les enfants sourds a été principalement étudié sous l’angle de l’hypothèse phonologique. Cependant, en raison de l'accès limité à la phonologie chez les enfants sourds et de l'opacité du français, cette approche est débattue. Parallèlement, des approches alternatives, telles que l'hypothèse visuelle, suggèrent que certains lecteurs sourds signants, performants en lecture, utilisent des stratégies visuelles spécifiques (e.g. large empan perceptif et lecture par mots-clés). Par ailleurs, des études récentes ont mis en lumière des compétences visuo-orthographiques particulières chez les enfants sourds, qu’ils utilisent la langue vocale ou la langue des signes. À ce jour, aucune étude n’a examiné précisément le rôle de l’EVA dans l’identification des mots isolés chez les enfants sourds. Notre étude se propose de tester l’hypothèse selon laquelle les bons lecteurs sourds pourraient compenser un déficit en CP par un recours à l’EVA. Pour cela, nous avons conçu une batterie de tests comprenant des tâches de détection de rimes à l’aide d’images, le traitement de chaînes de consonnes via le logiciel EVADYS, et une tâche de décision orthographique avec distracteurs phonologiques et orthographiques. L'échantillon comprend 51 enfants sourds profonds (âgés de 8 à 12 ans) et 42 enfants entendants. Nos résultats, répartis en trois volets d’analyses, montrent une grande variabilité des scores de CP et d’EVA en fonction du groupe linguistique et du niveau de lecture. La comparaison des groupes linguistiques montre que les compétences en CP sont élevées chez les entendants et sourds oralisants, mais plus faibles chez les sourds signants. En EVA, les entendants surpassent les deux groupes sourds. La comparaison en fonction du niveau de lecture montre que les lecteurs habiles obtiennent des scores de CP et d’EVA supérieurs, bien que certains lecteurs habiles aient des scores de CP relativement faibles tandis que leurs résultats sont comparables à ceux de leurs pairs habiles lecteurs, en EVA. Les modèles statistiques montrent que la CP influence principalement les enfants sourds oralisants via la lecture labiale, tandis que l’EVA joue un rôle dans l’identification des mots pour tous les groupes. La lecture labiale influence également la lecture des enfants sourds signants mais uniquement au niveau lexical. Ces résultats suggèrent que la variabilité de l’apprentissage de la lecture chez les enfants, qu'ils soient sourds ou entendants, dépend en partie de l’EVA. Ils indiquent aussi qu'une part faible des enfants sourds signants, dans notre étude, parvient à devenir de bons lecteurs sans une conscience phonologique développée. En outre, la lecture labiale émerge comme un soutien central pour la reconnaissance des mots, jouant un rôle lexical pour les sourds signants et un rôle sublexical pour les sourds oralisants. Ces résultats ouvrent des perspectives en recherche appliquée, en vue de développer des tests spécifiques pour mieux évaluer la population sourde.
• Design - Couleur - Lumière : la vitrine comme outil de création d’identité visuelle
  La création d’identité visuelle, un art qui aujourd’hui est au coeur de notre quotidien, dans un monde sans cesse renvoyé aux images c’est un domaine en constante évolution et qui a besoin d’une nouvelle sorte d’attraction. Dans ce mémoire j’ai choisi de m’intéresser plus particulièrement à la vitrine et donc à comment concevoir son identité en reprenant les codes du luxe. J’ai trouvé intéressant au travers de cette recherche de découvrir par quels moyens créer, en utilisant les particularités de la couleur, de la lumière ou encore des matériaux. Ce travail viserait les marques afin de leur offrir une nouvelle manière de créer leur identité visuelle en ne passant pas seulement par une vitrine mais plutôt tout un travail de scénarisation et de théâtralisation de leur « espace-vitrine ». J’ai expérimenté la lumière en lien avec la couleur afin d’obtenir un résultat offrant au « spectateur » une autre vision de la vitrine. Le projet final est porté sur une seule couleur; la couleur Pantone 2024, donc sur la création d’identité de cette couleur presque immersive mais ne serait-il pas intéressant de faire ce travail de création en partant de couleurs différentes ou en allant jusqu’à imaginer un espace immersif ?
• Réalité virtuelle et sensorielle : un design sensible au service de l'accompagnement de personnes atteintes de TSA
  Le stress et l’anxiété sont des troubles qui jouent un rôle majeur dans la société actuelle. Souvent ignorés, ils provoquent pourtant de nombreux effets néfastes sur la population moderne. Les personnes atteintes de troubles du spectre autistique sont plus de deux fois plus susceptibles de développer des troubles anxieux et des problèmes associés. En effet, leurs spécificités sensorielles impliquent des complications au quotidien. De ce fait, ce mémoire de recherche constitue une réponse aux besoins de ces personnes, et plus généralement de toutes celles souffrant de troubles anxieux, dans des situations quotidiennes. J'aborde les thèmes du design sensoriel et design produit, en explorant les possibilités offertes par la réalité virtuelle en tant qu'outil. En effet, la RV est un outil efficace dans le domaine médical, et a déjà fait ses preuves dans le traitement des pathologies mentales depuis 1997, lorsque Georgia Tech et l'Université Emory ont collaboré dans le traitement du trouble de stress post-traumatique chez les anciens combattants. Cependant, étant une technologie émergente, la disponibilité et la diversité des études combinant la réalité virtuelle avec le thème de l'autisme en font un sujet prospectif qui ne demande qu'à être exploré. Grâce à une méthodologie de recherche-création, j’ai assuré la réussite de ce projet en m’appuyant sur des études scientifiques validant chaque point de la création du plan. Dans ce mémoire, je propose une méditation en réalité virtuelle avec un objet sensoriel. J'ai exploré les possibilités d'associer les effets apaisants de la vue, transmis en réalité virtuelle, à une sensation tactile. Ainsi, l'objectif d'apaisement sera atteint grâce à la manipulation d'un objet transportable n'importe où, lui permettant de soutenir la personne au quotidien. Ces travaux annoncent le début d’une relation entre une technologie émergente et le bien-être des personnes atteintes de TSA, qui pourrait ouvrir la voie à des recherches plus approfondies.
• L’identité créative à travers l’hybridation entre anciennes et nouvelles technologies
  Ce projet professionnel est le résultat de ma réflexion en confrontant des expérimentations et ce que j’ai pu observer dans des livres mais également dans ma pratique quotidienne à l’atelier. Depuis longtemps je m’intéresse aux anciens savoir-faire traditionnels à travers des disciplines artisanales à la façon de mes ancêtres. Montrant un grand interêt à ce travail manuel, je souhaite les mettre en avant dans ma manière de créer afin de trouver une identité créative pour proposer d’anciens savoir-faire dans mon processus de création. Il m’est alors crucial d’hybrider deux types de technologies, à savoir les anciennes et les nouvelles pour conserver d’anciens savoir-faire traditionnels puisqu’ils ont une place importante dans notre société et ne sont pas obsolètes. Durant ce Master j’ai donc établi un processus de création qui est argumenté dans ce séminaire.
• Design - Couleur - Lumière : la vitrine comme outil de création d’identité visuelle
  La création d’identité visuelle, un art qui aujourd’hui est au coeur de notre quotidien, dans un monde sans cesse renvoyé aux images, c’est un domaine en constante évolution et qui a besoin d’une nouvelle sorte d’attraction. Dans ce mémoire j’ai choisi de m’intéresser plus particulièrement à la vitrine et donc à comment concevoir son identité en reprenant les codes du luxe. J’ai trouvé intéressant au travers de cette recherche de découvrir par quels moyens créer, en utilisant les particularités de la couleur, de la lumière ou encore des matériaux. Ce travail viserait les marques afin de leur offrir une nouvelle manière de créer leur identité visuelle en ne passant pas seulement par une vitrine mais plutôt tout un travail de scénarisation et de théâtralisation de leur « espace-vitrine ». J’ai expérimenté la lumière en lien avec la couleur afin d’obtenir un résultat offrant au « spectateur » une autre vision de la vitrine. Le projet final est porté sur une seule couleur : la couleur Pantone 2024, donc sur la création d’identité de cette couleur presque immersive mais ne serait-il pas intéressant de faire ce travail de création en partant de couleurs différentes ou en allant jusqu’à imaginer un espace immersif ?
• Design (objet & espace) d’apaisement : la nature comme source d’inspiration pour mieux vivre en ville
  En tant que jeune étudiant provenant d’une petite ville fleurie à la campagne, c’est après une expérience de vie à Paris que je me suis intéressé à la nature et à l’apaisement en ville. Un sujet qui prend tout son sens dans la société d’aujourd’hui. Contrairement à ce que l’on pourrait imaginer, la population parisienne est en baisse : 220445 personnes y vivaient en 2014, contre 214590 en 2020. Aider les gens à se sentir mieux en ville me semblait donc important. Mon but est de développer une méthodologie pour analyser une expérience personnelle de la nature afin de mieux l’intégrer dans nos projets urbains. En commençant par définir les sensations, les émotions et le bien-être que la nature peut nous apporter, j’aborde ensuite le thème de la ville et le lien qui doit être rétabli avec la nature. Je conclus cette recherche par un projet personnel dont le but est de retranscrire les caractéristiques de la brume, comme son côté mystérieux et apaisant, sans la représenter directement. En expérimentant avec la lumière, la transparence et la recherche sensorielle par l’analyse des couleurs, cette approche montre comment nous pouvons mieux intégrer la nature dans nos projets, sans être urbanistes ou paysagistes.
• Le design au service de la compréhension de soi : conception d’objets pour maîtriser ses émotions
  Le design au service de la compréhension de soi : Concevoir des objets pour contrôler les émotions. L’anxiété est au cœur de notre quotidien, y compris le mien. Je me suis demandé d’où elle pouvait venir et pourquoi elle touchait tant de personnes en France. Les transports en commun, la pression sociale, la pression professionnelle et les attentes envers soi-même sont autant d’éléments qui viennent s’ajouter à la pression. Cette expérience largement partagée a suscité la question suivante : Comment la conception d’un produit/objet peut-elle aider un utilisateur à maintenir son équilibre mental dans un contexte social de performance et de surstimulation devenu permanent ? Pour répondre à cette question, j’ai analysé un contexte sociologique : le cas de la surstimulation quotidienne des individus dans la société actuelle. J’ai abordé la santé mentale et la pression sociale sous cet angle, et j’ai étudié le domicile privé comme champ d’exploration pour comprendre l’utilisation des objets. J’ai ainsi créé un élément permettant de mieux gérer la respiration des personnes anxieuses ou mentalement surchargées. Il s’agit d’un bâton dans lequel on respire, qui se gonfle à l’expiration et se dégonfle à l’inspiration, permettant de retrouver un rythme respiratoire calme selon la technique 4-7-8 du Dr Andrew Weil. La partie la plus difficile de mon projet a été le fait de vivre la situation en direct, mais il y a eu un aspect très complémentaire qui m’a aidé dans mes recherches tant sur le plan technique que sur le plan pratique. Cela m’a permis de développer un objet pratique pour de nombreuses personnes souffrant d’anxiété ou de crises d’angoisse.
• Du Design textile au Design d'objet: Relecture contemporaine de la culture traditionnelle ivoirienne
  La valorisation des traditions ancestrales est une question qui nous motive et qui est de plus en plus au cœur de n’importe quelle forme de création, allant de la création plastique à la création appliquée. A travers la réflexion sur l’art contemporain africain , l’identité culturelle ivoirienne, et les enjeux de la perception de l'Afrique par l’occident , je positionne le designer à l’intersection du design contemporain et de la préservation du patrimoine culturel ivoirien dans une approche respective . Nous devons nous questionner comment le design contemporain peut-il être un moyen de préserver et de valoriser la culture traditionnelle ivoirienne à travers une méthodologie créative qui combine la collecte des données et l’analyse des cas concrets ? L’étude des motifs, des symboles et des techniques ancestrales montrent que la culture traditionnelle ivoirienne est une source d’inspiration unique. Cela est exploré à travers les recherches expérimentales sur les tresses africaines pouvant nous inspirer ainsi que toute analyse d’exemple de création de certains designers. Ces recherches nous offrent une multitude d’idées que l’on pourra utiliser dans le futur. Enfin, j’utilise cette méthodologie pour mon projet professionnel: une exploration et réinterprétation du textile traditionnel “Dida”.
• Design solaire, pour une démocratisation de l'usage de l'énergie solaire à travers le design
  Pour mon projet de fin d'études, j'ai choisi de travailler sur un concept particulier intitulé "design solaire" dans lequel je propose de repenser l'expérience utilisateur vis-à-vis de l'énergie solaire. Indépendamment des contextes d'utilisation typiques que nous connaissons des panneaux solaires, j'ai trouvé très intéressant d'améliorer l'intégration de cette énergie inépuisable dans notre vie quotidienne. Cependant, le défi consiste à développer des produits pour une utilisation en intérieur. Le sujet traite de l'énergie verte, qui a été limitée dans la nature et qui devrait être fortement présente dans les zones urbaines où la demande d'énergie est plus élevée. En fait, mon idée s'inscrit dans le processus de "design fiction", dans lequel le designer peut choisir de travailler sur un projet qui sera développé dans le futur sur la base des technologies existantes. Le thème de l'énergie durable a attiré mon attention depuis mon expérience en tant que stagiaire dans l'industrie automobile qui développe des véhicules solaires. Le test de conduite que j'ai effectué m'a permis de réaliser à quel point l'énergie solaire est puissante, contrairement à l'impression que la plupart d'entre nous ont de l'énergie verte. L'expérience que j'ai vécue chez "BAKO MOTORS" a été la principale motivation de mon choix. Mon objectif, à travers cette recherche, est de sensibiliser l'utilisateur à l'utilité de l'énergie solaire par la création d'un scénario d'utilisation plus interactif. Je n'ai pas suivi d'étapes bien définies ni de chemin linéaire dans mon processus de recherche. Il s'agissait plutôt d'un mélange d'étapes entrelacées. Pour mener à bien mon projet, j'ai dû passer par une recherche et un développement formels intensifs. J'ai également eu besoin de l'aide d'un ingénieur solaire chaque fois que j'ai été confronté à des problèmes de faisabilité technique. Je n'ai pu entamer la phase de rédaction qu'après avoir recueilli suffisamment de données. En conclusion, ce projet représente une invitation à considérer l'intégration de l'énergie durable dans les objets de notre quotidien, afin d'encourager les utilisateurs à exploiter cette source renouvelable.
• Plasticité, sensorialité, technicité. Explorations de la cire vers une démarche de design.
  La cire est une matière que l’on connait tous. Elle peuple nos intérieurs depuis des centaines d’années sous la forme de bougies ou de chandelles. A travers ce mémoire, je tiens à explorer cette matière, plastique par excellence, aux caractéristiques diverses et intrigantes, et à la montrer sous de nouvelles perspectives. C’est pourquoi de designer, je vais devoir mener une démarche de plasticienne afin d’étudier la cire, la déconstruire, et l’expérimenter afin de la réexploiter de manière innovante dans le domaine du design. Par le biais de la cire, je vais m’aventurer sur différents terrains de réflexion et je vais aborder différentes notions, comme celles de l’expérimentation, de la matérialité, de l’aléatoire, de l’animisme, ou encore des sens et de l’interaction entre notre corporalité, en tant que créateur ou usager, et celle de la matière. Enfin, la découverte de la cire, captivante, étrange, vivante, me poussera à me questionner sur ses possibles technicités.
• Eloge du feu, Recherches e questionnements sur des rapports et des usages entre Homme et feu
  Je travaille sur le thème du feu dans la vie et l’habitat contemporain, sa symbolique et son utilisation dans la conception de produits. Depuis longtemps, j’ai une grande fascination pour le feu. Je le vois comme une grande force naturelle avec des symboles et des usages variés depuis la période de la préhistoire. Je suis vraiment curieux de comprendre quelles sont les différentes formes du feu et comment il fonctionne. Pour moi, et après des recherches et des analyses, le feu n’est pas seulement un élément destructeur, mais aussi un outil pour transformer les matériaux, et un élément pour relier les peuples. Le foyer est un élément central de la vie humaine. C’est un lieu de sécurité et un endroit privilégié pour échanger des produits, de la nourriture ou des connaissances. A travers ce travail, j’essaie de comprendre les différents liens entre l’homme et le feu afin de donner des éléments de compréhension pour changer l’aspect destructif du feu en un aspect symbolique. J’ai commencé mes recherches par de nombreuses lectures sur la symbolique du feu actuellement, dans le passé, dans différentes cultures. J’ai également fait une analyse du feu, de ses différents combustibles, comme le bois, le charbon de bois ou le gaz. Pour le projet professionnel, j’ai réalisé un espace qui utilise le feu pour créer une atmosphère privilégiée pour les échanges sociaux, par la scénographie et la place centrale du feu. J’ai également réalisé plusieurs expériences avec le feu, comme des travaux photographiques ou des tests de matériaux, afin de m’inspirer pour ma production finale.
• PRODUITS MIXTES, d'une approche anatomique morphologique du corps, à des solutions de conception d'objets unisexes
  Le thème que j’ai choisi de développer au sein de mon mémoire est comment l’approche morphologique du corps, amène à des solutions de conception d’objets unisexes. Ma motivation, pour étudier les normes anatomiques et les inégalités de genre dans la conception provient de l’inadaptation de certains objets dits «mixtes» au corps féminin. Le sujet n’ayant été étudié que par des journalistes ou des sociologues, mon point de vue de designer apporte une nouvelle perspective à ce phénomène. Une approche ergonomique. L’objectif de ce travail est d’aider les ingénieurs/designers qui conçoivent les produits à comprendre d’où viennent leurs erreurs et comment les anticiper. L’objectif est de réduire le nombre de produits obsolètes pour les femmes. Tout cela en mettant en œuvre une méthodologie de conception inclusive. J’ai donc d’abord effectué des recherches anatomiques pour identifier les différences entre les sexes, que j’ai comparé aux différences d’un point de vue social. Parallèlement, j’ai réalisé des recherches sur les normes dimensionnelles des objets déjà présents sur le marché. Il est donc essentiel pour le lecteur/concepteur de se rappeler que la cause de ces injustices est due à une mauvaise anticipation du profil du consommateur au moment de la conception. Certains produits déjà sur le marché présentent des risques pour les femmes parce qu’ils n’ont pas été testés au préalable. C’est pourquoi il est nécessaire d’établir une nouvelle méthodologie de travail pour permettre aux concepteurs de travailler sans être influencé par leurs sentiments. Pour conclure, je voudrais rappeler que même si les inégalités entre les hommes et les femmes ont été considérablement réduites, il existe encore des injustices.
• Décolonilite du design entre Métissage et Hybridation -Le Beldi Chic _ Une mise en valeur des traditions et réappropriation de la modernité
  Ce mémoire se base sur l’expression du design de produit entre métissage et hybridation par le biais de l’art de la table. Cette recherche comporte une analyse comparative entre deux territoires : d’un côté, le Maroc, mon pays d’origine, et de l’autre, la France, où je réside actuellement. Mon objectif est d’aborder le concept de décolonialité du design et l’expression de l’identité du designer à travers ses créations. Cette dernière implique l’émancipation des savoir-faire et de l’artisanat, faisant ainsi connaître es cultures en les mélangeant . Dans la culture maghrébine, cet art prend une valeur et une place importante dans l’art de recevoir et de faire connaître son identité, mais possède aussi une valeur artistique puisqu’il prend forme de décoration à exposer. La culture française ne fait pas exception en ce qui concerne la mise en scène de l’art de recevoir lié à la gastronomie, et le considère comme un savoir-vivre d’élégance et de prestige . Cette exploration qui relie culture et technique pour une décolonialité du design entre métissage et hybridation vient de ma réflexion de designer engagé, qui répond à une problématique identitaire pour faire voir et connaître ce que l’histoire a pu estomper à travers le temps et avec les évolutions. Elle aborde aussi d’autres notions comme le Beldi et le chic, des notions marocaines vers des traditions culturelles plus contemporaines, cherchant à mettre en avant une riche histoire enracinée dans la fusion de diverses cultures telles que l’Amazigh, les Maures, les Français et les Occitans. Cette démarche créative ne vise pas à attribuer la faute à la colonisation ni à exiger la restitution des injustices passées. Elle souligne plutôt les évolutions de l’histoire parfois brusques qui imprègnent d’autres notions et la font effacer. En mélangeant le style Beldi Oriental avec une touche contemporaine française et occitane, j’aspire à captiver et à intriguer les individus concernés, les incitant à explorer de nouvelles cultures et à redécouvrir des traditions anciennes
• Origines, Des corps fugitifs dans la forêt amazonienne, réhabilitation de la mémoire marronne en Guyane française à travers le cinéma d'animation.
  Je vous invite dans une histoire faite de sorcelleries, de transformations, de métamorphoses. Un projet qui retrace la vie d'un corps fugitif, dont la mémoire se cache au cœur de la forêt amazonienne.
• "À visage découvert", la charge expressive du film d'animation: Plastique de l'émotion, esthétique visuelle et sonore
  Regarder un film vous fait ressentir différentes émotions qui dépendent de différents facteurs. Je pense vraiment que l’art et le cinéma ont cette particularité d’amener les gens à réfléchir sur leur propre sensibilité pour comprendre leurs émotions et ce qu’ils regardent dans l’instant présent. Ainsi, dans ce mémoire de création recherches, j’essaie de travailler sur le transfert des émotions à l’écran par l’empathie esthétique. Selon moi, dans le monde de l’animation, les émotions passent avant tout par différents facteurs comme l’univers graphique, le sound design, les couleurs et bien d’autres choses. Mon projet est motivé par l’expression des émotions d’un personnage à l’écran en passant par différents processus. Ainsi, dans la première partie de mon mémoire, j’étudie la communication et l’expression des émotions à travers le langage corporel, puis je m’intéresse à l’expression et à la communication non-verbale des émotions dans le cinéma d’animation. Puis je termine ma réflexion en mettant en place une plastique de l’émotion, une esthétique du rythme. En fait, la motivation première de mon film et de mon mémoire est de montrer comment l’hypersensibilité affecte les gens dans leur vie et transmet des émotions en mettant en place différents codes autres que la parole et les mots qui restent un moyen inefficace de communiquer des émotions. J’ai donc pour priorité de créer un court-métrage sans voix ni dialogues. En effet, je souhaite montrer au spectateur qu’il est normal de ressentir des émotions et de les vivre, j’ai donc décidé d’intituler mon film, fruit de mes recherches menées tout au long de ce mémoire de création recherches, « C’est normal »
• Initiation musicale d'un malentendant, une poïétique du motif dans un système sensoriel.
  Le motif se trouve au carrefour des pratiques visuelles et sonores que l'on retrouve au cinéma. Ce mémoire explore ces interactions et leur évolution au cours d'un court-métrage, Oscar, réalisé à l'occasion d'un projet de fin d'étude. Du mickey mousing à la musique concrète de Pierre Schaeffer, le son se développe en motifs et, dans une relation dialogique, imprime à l'image une histoire.